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复调音乐一:复调音乐 写作技巧
复调音乐 写作技巧
一种“多声部音乐”。作品中含有两条以上（含）独立旋律，通过技术性处理，和谐地结合在一起，这样的音
乐就叫做复音音乐。复音音乐拥有漫长的历史，在中世纪的教会圣咏中，就有了最早的复音音乐，僧侣们在唱
颂歌的时候各自在不同的声部上吟唱不同的旋律。其后尼德兰的荷兰乐派进一步发展出复音的理论和写作技术
。当中的作曲家杜飞（GuillaumeDufay，1400－1474）在创立了“四部和声”的写作技巧。为后来的对位法理
论开辟出完善的道路。
复调音乐最早产生于9世纪的西欧，奥尔加农为其最早形式发展至15世纪后半期～16世纪达到高峰，可谓其黄金时代，杰出代表为帕莱斯特里纳的无伴奏合唱；到18世纪，在复调音乐创作在结构、技法上趋于完善的情况下，J．S 巴赫将器乐赋格曲形式发展至极，树立了器乐复调音乐技术的典范；进入18世纪后半叶，复调音乐的主导地位开始逐渐被主调音乐代替。重要的复调音乐体裁有经文歌、轮唱曲、复调弥撒曲、卡农、复调尚松、坎佐纳、赋格曲等。
复调音乐分为：
⑴ 用对比方法所写的复调音乐成《对位音乐》，简称《对位》，即对位式的复调音乐。如钢琴独奏曲《牧童短笛》；
⑵ 以模仿的方式为基础所写的《复调音乐》，通称《卡农》，即二部、三部、四部的轮唱或轮奏。如《黄河大合唱》中的四部轮唱曲《保卫黄河》；
⑶ 用衬托的方法所写的复调音乐，成《支声复调》或《衬腔式复调》。在民族民间音乐中，常用衬托、填充、呼应、加花等手法，使音乐更为丰富多彩。如侗族民歌《向阳花开朵朵红》，女声二重唱《遵义会议放光辉》等。
写作技巧:
首先，把主旋律做一轨 (如果旋律已经烂熟于心可以省略这一步) 然后，其他的声部(大部分情况是弦乐)按照主旋律的和声进行另做一个不同旋律.这个旋律要尽量避开主旋律的音，尤其是注意避免五八度平行,同时听觉上要和主旋律相成呼应关系,最重要的是要和主旋律形成对比,比如，主旋律是密集旋律进行的话,复调就多用长音,主旋律是长音的时候,复调旋律就变化多一些,千万不要跟主旋律走一样的节奏型,那就不叫复调了. 另外,还得注意音区。这很重要-----首先，这是配器原则，小提琴的旋律都写到大提琴音区里了那不乱
套了？其次，要给别的乐器留下空间，甚至有时候你还得写不止一层复调。 假定现在一个小提琴复调声部做出来了，我们也许要接着再做一层大提琴复调。同样的原理，避开已有
的主旋律和小提琴复调，在大提琴音区再写一个旋律。这就稍麻烦一些了。因为你得同时考虑三个声部的搭配
，在剩余的夹缝里填写。在写大提琴复调的时候，遇到实在推不动的情况可以对做好的小提琴声部进行一些修
改以便给大提琴腾出路来。这第二层复调说难也难说简单也能简单。因为如果出现1层以上的复调的话，那么两层复调最好不要旋律变化都太丰富，那样会听着很乱。这两层复调必然有一个是比较简单的，甚至可以直接走和声或旋律。
还有一个写复调的方法是----先用长音写出各声部的和声结构来，再在和弦音的基础上变化出旋律形成复调。注意事项和上面的方法一样。 按我的理解，复调有两个作用：一是填充织体，二是形成对比。只要紧记这两点原则再加上上面的两个方法，只要有点和声基础，相信大家都可以做出足以吓唬外行的复调来。
继续引申：做音乐的时候，每一个声部都要以“复调心态”去处理。鼓要在适当的位置打出鼓花来；贝司要尽量旋律性进行，不要千篇一律的走根音，甚至可以在适当的位置来个高音弯音；键盘不要一味的敲和弦，适当来点连接性的旋律，等等。 以“复调心态”做出来的音乐，再加上大胆的运用对比（对比产生美，这是万古不变的艺术真理！）会更加丰富多彩。
复调音乐二:复调基本知识及五类对位法写作。
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复调音乐学习资料 1、复调一词在拉丁文中即多声部的意思。复调音乐可称为对位法音乐，有人也称之为编织物音乐，其实它就是不同旋律交织在一起的多声音乐。摘自：孙云鹰《复调音乐基础教程》91年6月第一版P1 2、复调音乐： Polyphony一种作曲风格，作曲家特别注重每一声部的旋律性，不同于用和弦伴奏旋律的主调音乐。摘自上海音乐学院音乐研究所汪启璋、顾连理、吴佩华编译、钱仁康校订《外国音乐辞典》，88年第一版，Ｐ596 3、Polyphony：（音乐）复调音乐；对位法。 摘自A.S.HORNBY E.V.GATENBY H.WAKEFIELD：《现代高级英汉双解辞典》82年第14版P812 4、几个具有独立意义的旋律性声部，在运动中同时结合在一起，构成丰富多样的织体形式，这样各自具有独立旋律意义的多声部音乐，称为复调音乐。摘自陈铭志：《复调音乐写作基础教程》86年第一版P1 5、对位：（counterpoint）两个或两个以上独立声部在和谐的织体中的结合。各声部在旋律和节奏上都有独立性，节奏上的独立性尤为重要；但从另一个方面来说，没有旋律性格的节奏上的独立性也不足构成对位。两条或两条以上的旋律线的结合形成一系列相互关联的和弦。每个和弦中的个音之间的关系以及和弦与和弦之间的关系构成和声。因此对位与和声是密不可分的；但是既然可以写出一系列和弦，其中每个声部在旋律上和节奏上都没有独立性，那么和声还是可以脱离对位而存在的。另一方面，和声的传统规律从历史上来说是对位的产物，亦即对位写作的某些规律造成习见的和声关系，使它们定型而具有独立存在的意义。因此和声是对位的结晶。对位是一种组织音乐素材的方式，可以随作曲家的意愿而用作整首乐曲的基础或间隔地应用。 对位教学早在16世纪就已经系统化。扎科尼在他的《音乐实践》（两卷，1592和1619）一书中举出一系列两声部对位的曲例，其中一个指定的全音符旋律（定旋律）用种种不同的方式来处理： （1）一个音对一个音，增加的声部也用全音符。 （2）（一个音对两个音，）增加的声部用二分音符。 （3）（一个音对四个音，）增加的声部用四分音符。 （4）切分对位，作为对位声部而增加的声部是全音符，但出现在定旋律之后，与定旋律相距一个二分音符，造成切分节奏。 （摘自上海音乐出版社钱仁康译《外国音乐辞典》88年8月第1版P176—177） 6、
复调音乐三:电子琴入门之调式与和弦 | 音乐入门
音乐语言的各种要素互相配合，具有千变万化的表现力。旋律尽管是音乐的灵魂，但其它要素起了变化，音乐形象就会有不同程度的改变。在一定条件下，其它要素甚至可起重要作用。在谈到调式的时候，大家先来了解和复习以下的一些基本音乐常识和名词解释音名、唱名、基本音级和变化音级乐音体系中的各音级，都有着各自的名称。这些名称，在不同的国家不尽相同。被广泛采用的是：C D E F G A B。以C D E F G A B七个字母命名的音级，叫做“基本音级”。被广泛采用的音名，除了C D E F G A B之外，还有do re mi fa sol la si。这些音名因多用于歌唱，故又叫做“唱名”。在乐音体系中，音名C D E F G A B所代表的音是固定不变的。唱名do re mi fa sol la si所代表的音则因唱名法的不同而异。将基本音级加以升高或降低而得来的音叫“变化音级”。将基本音级升高半音，叫“升音级”，将基本音级降低半音，叫做“降音级”，将基本音级升高全音，叫做“重升音级”，将基本音级降低全音，叫做“重降音级”。音、音级、音列、半音和全音音乐中所使用的基本的乐音的总和，叫做“乐音体系”。乐音体系中的各音，叫做“音级”。音级和音不同。音级专指乐音而言，音则包括乐音和噪音。将音乐体系中的音按照一定的音高关系和高低次序，由低到高或由高到低排列起来，叫做“音列”。乐音体系中，音高关系的最小计量单位，叫做“半音”。半音与半音之和，叫做“全音”。全音与半音，是指两个音级之间的高低关系，不要与某一单独音级相混。主调音乐和复调音乐复调音乐它是主调音乐的对称，多声部音乐的一种。它是以若干个旋律同时进行而组成相互关联的有机整体。在横的关系上，各种声部又彼此形成良好、协调的和声关系。复调音乐还分：（1）因对比的方式所写的复调音乐称“对位音乐”，简称“对位”，即对位式的复调音乐。（2）以模仿方式为基础所写的复调音乐，通称“卡农”，即“轮唱”或“轮奏”。（3）用衬托的方式所写的复调音乐称“支声复调”。复调音乐以对位法为其主要创作技法。主调音乐它是复调音乐的对称，多声部音乐的一种。其中有一个声部（通常是高音部）旋律性最强，处于主要地位，其他声部则以和声等手法对主旋律进行烘托和陪衬。标准音和中央C乐音体系中的各音级，其高度都有一定的标准。音的标准高度，历代不尽相同。目前国际通用的标准高度（第一国际高度）是每秒钟振动440次的a音，即以小字一组的a为“标准音”。国际间有了统一的音高标准，为理论研究、乐器制作、文化交流诸多方便。每秒振动约261次的c音在乐音体系中叫中央c，它位于基本音级首位。在音乐活动中，涉及到的和弦很多，但最基本和最主要的就是三和弦和七和弦了，其他和弦可以由它们演变而来：三和弦三和弦的构成是由三个音按三度叠置而成的一种和弦。和弦最下面的音称为根音，根音上的三度音称为三音，根音上的五度音称为五音。
