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学习作曲的书一:初学者如何入门学习作曲？
当今世界音乐流派五花八门，风格更是古今中外无奇不有，但绝大部分音乐所运用的作曲技法是相同的，对于初学者来说上手知识更加没有区别。本文就针对在作曲方面希望入门但尚未入门的同学浅谈一下相关问题。
一、乐理与视唱练耳
基本乐理是毫无疑问要首先掌握的，其内容主要是训练读谱、写谱、理解乐谱的能力。初学者应当选择一本乐理教材逐章学习，充分理解音程关系、节拍节奏、调式调性等概念，这样才能真正地理解乐谱乃至理解音乐，而不仅仅是把乐谱当作一堆音符。
有一种反对学习乐理的理由是有些熟练掌握某种乐器（特别是和声乐器）的人可以脱离乐谱直接创作，但这种情况存在几个问题：首先这样的创作局限于该人的演奏水 平，如果他不是一个能胜任各种技巧的演奏家，他的创作语汇将是很狭隘的；其次这种创作局限于该人所会的乐器，当他需要为自己不熟悉的乐器写作或者为大型乐队写作时就无能为力了；最后这种创作完全依靠个人记忆，当乐曲达到一定的复杂程度、精细程度时难免捉襟见肘。各国传统音乐（例如古希腊音乐、我国 民乐）都是由这种创作型演奏家编创、传承的，但如今这种方式已经过时了，它的效率是低下的——对于个别人来说是捷径，对于大多数人来说是绕远路。
另一种反对学习乐理的理由是部分原创歌手能哼唱出歌曲旋律，不用识谱依然可以一曲成名。世界各国的民间歌曲都是由或许连字都不识的农民哼唱出来的，那些民歌不但流传千古，而且充满艺术性。仅仅把目标定位于能哼唱出歌曲旋律的人可以无视一切音乐理论、尽情地去哼歌，学习乐理是多余的。但希望能像原创歌手一样成名则需要了解一个事实，那就是歌星是商业化包装出来的综合性艺人，和音乐家或艺术家不能划等号，如何成为歌星不是一个音乐问题，本文不讨论。
还有一种反对学习乐理的理由是如今借助音频工作站可以直接在midi窗口写作（或录入）音乐，既不需要识谱也不需要了解各种乐器性能。这个理由某种意义上是成立的，midi化的作曲在配乐等领域已经是不可否认的事实——例如汉斯·季默的作品就是在电脑上“弹”出来再交给别人去配器、排练，理论上作曲家并不需要识谱。在经费不足的游戏、电视剧或业余创作中音乐作品可能根本不进入录音棚由演奏家录制，而是直接在电脑里用软件做出音频，那样就更不需要借助乐谱和乐理知识。可实际情况是如果因此而跳过学习乐谱，就失去了阅读绝大部分音乐文献的能力，也失去了进一步学习和声、复调、配器等课程的能力，唯一的学习途径就仅剩下“扒带”，如此一来眼界就大大缩小了。如果对未来的发展要求不高的话并不反对这种做法，可以跳过音乐理论直接上手音乐软件。
综上，我非常不建议初学者以任何借口逃避学习乐理。不过单纯的乐理不仅枯燥乏味，脱离听觉体验纸上谈兵也难以真正理解乐理概念，因此学习乐理最好配合视唱练耳的训练。视唱是指将乐谱上的旋律用音符名称歌唱出来，练耳则指把听到的音乐（一开始主要是单旋律）用乐谱记录下来。通过视唱练耳可以很好地把乐理知识与实际音乐联系在一起，从听觉上理解乐理，进而理解音乐。
视唱的训练很容易，只需要挑选一本视唱教材，在乐器（或软件）的辅助下逐一练习即可。练耳则未必能找到教师或同学来给你出题，因此可以从扒旋律练起——把熟悉的歌曲旋律逐一用五线谱以正确的格式写出来。在追求视唱或练耳的准确性的过程中，自然而然就会逐渐体会到节拍、节奏、音程、调性这些概念具体指的是什么，为什么会有这些概念。
练习演唱或演奏的人也最好不要放弃视唱的训练，因为二者不能完全等同。演唱时注意力不会集中在音乐与谱面的联系上，特别是加入歌词演唱后，往往只是根据听觉记忆来表演，无助于巩固内心的乐理概念。演奏乐器则一般不需要在内心想象出音高，也无法培养内心的音高感觉。
通过乐理与视唱练耳的学习，最终要训练的是一种能力：把读到的乐谱变成音乐；把听到的音乐变成乐谱。这两者（尤其是后者）是作曲家的必备能力。
最后说一下简谱的问题，简谱适合于在非乐谱纸上方便地记录单旋律，但其记谱局限性很大，多声部音乐则基本无法记录。如果没有特殊需求无必要学习简谱，想学的话在掌握了五线谱后稍微了解一下就能学会。
二、旋律写作
在掌握了读谱、记谱之后，就可以开始练习旋律写作了。以往只能哼唱出旋律的人现在则需要把那些旋律记录下来。单旋律练习主要有两种：歌曲旋律和器乐曲旋律。你可以为一段歌词配曲，也可以凭空想象一首曲调。初学者只需要写一个完整的段落即可，没必要构思更大的结构。
初学者需要锻炼的是旋律的流畅、悦耳与完整，一般来说从对称、方整的结构开始（也就是所谓“4+4”、“8+8”）——旋律由长度相等的两句话或四句话组成，其中每句话又由2小节或4小节组成。旋律的每一句话都要听起来顺耳，特别是每一句话结束的落音需要听起来舒服（落音就像诗歌的韵脚一样重要），旋律的结尾要能稳定地停下来。
练习的时候要有意识地在局部上或布局上去模仿任何自己能够模仿的歌曲、乐曲，初学者不用担心“抄袭”的问题，如果实在有哪个片段和别的作品太相似了就设法改一些音让它们不那么相似。形成自我的风格是作曲技法相当成熟之后才需要考虑的问题，入门阶段模仿是最好的学习方法。但模仿不等于放弃自己的想象力，相反，模仿写作必须加入自己的创意，要在模仿对象的基础上别出心裁，否则就真成了毫无意义的“抄袭”。
如果写出来的旋律自己唱了都觉得不好听，那一定要修改到好听为止。不要吝啬演唱自己的作品，要反复唱、反复品味，也许刚写完觉得很好听，第二天又觉得难听了。自己觉得好听也未必真没有问题，还需要多给别人听，特别是给专业的老师、同学听，让他们挑毛病，然后去努力体会、修改。哪怕一个音、一个节拍的改动也可以使一段旋律变得优美或拙劣，可以令其风格迥异——正是在这种细节的磨练中，才能诞生真正的艺术。
练习的过程中要有意识地去建立旋律的“线条”这一概念。旋律的上行、下行、徘徊、跳跃、起伏、停滞……在谱面上和听觉上都会形成线条轮廓。旋律的线条与旋律是否动听有复杂而深刻的关系， 特别是在揭示旋律的结构时，线条这种有画面感的概念会让抽象的结构变得清晰易懂。例如一段旋律的前半部分倘若总是在几个音之间徘徊，它的后半部分就需要一次起伏来满足期待感；一段多次起伏的旋律需要在后期形成一个顶峰作为高潮……不过并非所有旋律都依靠线条上的美感来取胜，譬如有时候旋律主要以节奏来引人入胜，这时线条就可以非常简单。
在和声学习到相当程度之前写作旋律时不必考虑其和弦如何配置，只需要考虑旋律的轮廓、调式、调性、风格等问题。当和声水平足够高，不会对旋律写作造成束缚时就没必要再练习单旋律，而需要直接构思多声部音乐了。当然，那已经不是初学者的问题。
三、和声
如今几乎所有音乐都是多声部音乐，只想出一段单旋律就能创作完整音乐作品的时代早已一去不复返。因此一定的和声知识无疑是作曲入门的必修课。
和声学是研究如何写作、分析多声部音乐的学科，我们这里说的和声学指狭义的传统和声学，或说“经典”和声学，其内容主要总结自古典音乐大师们的创作，并广泛存在于流行歌曲、影视配乐等当今的各种音乐领域中。此外还有很多别的和声知识，例如爵士乐和声、无调性和声等，这些“专题”学科都建立在传统和声之上，所以初学者暂时不必关注。
与旋律写作一样， 在掌握了基本乐理之后就可以开始和声学习。中国音乐学院内流行的“斯波索宾和声教材”并不值得参考，除非你打算报考音乐学院作曲专业。这本教材过于机械、教条， 几乎完全是一本应试教材而非艺术教材，书中的概念、术语有的已经过时或脱离国际主流习惯，不利于学术上进一步深造。包括这本书在内的大多数和声读物都是针对古典音乐作曲的，其复杂程度超过了很多业余爱好者或自学者的需求，因此不一定要采用。如果压根不打算学习古典音乐作曲，那么选择一本通俗音乐和声教材即可。即使专门学习古典音乐的和声，如果不是为了应付国内考试的话，也有远比“斯波索宾”教材更好的选择，例如库斯特卡和声学、勋伯格和声学、辟斯顿和声学等。
初学者首先需要学习所有常用的和弦。古典音乐理论用调内级别来标识和弦，流行音乐理论则用实际音高，二者只不过视角不同，本质上没有区别，选择哪一种都可以，最好两种都能掌握。
学会了和弦之后就要学习如何连接和弦，以及如何用连续的和弦造句以及为旋律配置和声、伴奏。和声写作更加决不可以纸上谈兵——尽管它需要大量的纸上工夫—— 而是要时刻从听觉上去体会，无论是聆听自己写的和声段落，还是分析别的作品的和声手法。一个地方应当用什么和弦不是推算出来的，而是像写作旋律一样通过自己的审美体验和大量的实践经验来确定的。虽然某些情况下通过和声知识可以去推算，比如给旋律配和弦的题目就可以根据旋律音来推算，但这种“讨巧”其实是南辕北辙，它丝毫无助于提升你的艺术水平，只是把你的时间浪费掉。
随着和声的学习，练耳的内容也将从仅仅听出旋律扩展成听出和弦，在练习的过程中内心将慢慢形成和弦的听觉记忆。有时候无法辨认出听到的和弦，那么就先把构成它的每一个音分别听出来，再去组合、理解。
为一段旋律写作和声之后，很容易就可以把这段和声变成伴奏。这需要掌握一些常用的伴奏音型，也叫伴奏织体，以及一些乐器法。一般来说可以先从钢琴伴奏学起。织体的学习主要靠模仿写作，也有一些教材会涉及相关内容。
当可以为自己的旋律写出和声、伴奏时，离创作简单的音乐作品就不远了。
乐理、视唱练耳、旋律写作、和声是几乎所有音乐创作者都要掌握的知识。音乐创作还有更多更复杂的知识，根据音乐类型、流派的不同，它们就不是所有人都必须掌握的了。例如对于古典作曲家来说还需要掌握复调、配器、曲式等知识，而对于爵士作曲家来说则需要掌握爵士和声、即兴演奏、爵士配器……由于那些已不是作曲入门的内容，本文就不再进一步讨论。
四、创作完整音乐作品
这里说的完整音乐作品是指制作出音频，而不仅仅是把乐谱写出来。初学者，特别是业余爱好者无论写歌曲还是器乐曲，找专业演奏者、歌手来表演的可能性是很小的，因此要得到作品的音频就需要掌握作曲类软件。即使自己本人是演奏家并且有录音条件，局限于自己的演奏乐器也会需要用到各种软件。
作曲类软件主要有三种：制谱软件，音序器和音源。制谱软件主要功能是绘制乐谱，它们大部分虽然都有回放功能，但和音序器比依然相距甚远，因此对乐谱要求不高或者不依赖乐谱的人可以直接在音序器里创作。当然，制谱类软件中写好的乐曲也可以导出midi文件或音频文件再导入音序器里进一步编辑。音序器，或称宿主、数字音频工作站，是音乐制作的主要软件。大部分音序器都会自带音源、效果器以及制谱功能，所以初学者仅拥有音序器已绰绰有余。音源，或称音色采样，则是虚拟乐器，在电脑中创作的乐曲大多都是通过音源获得播放效果的，制谱软件和音序器都可以加载音源。
此外还有一种插件叫做效果器，可以对音频做出各种后期调整，完成音乐创作后会需要用它们来提升最终的音频质量。大部分音序器都自带常用的效果器，初学者掌握几种基本的用法足矣。
这三类软件（尤其是后两者）是在电脑上创作音乐必须掌握的，除了自己摸索之外，市面上、网络上也有不少教程可以参考。除了这三类基本软件外，还有很多跟音乐创作、音频制作乃至于音乐工程有关的软件，例如更为复杂的效果器、合成器、交互音乐软件等，这些超越了初学者需要掌握的范畴，有志于在音乐工程、电子音乐等领域发展的人会需要接触那些知识。
掌握了作曲类软件的操作，有了旋律写作、和声写作的能力，离创作完整作品只有一步之遥。你只需要把旋律与和声用需要的音色表达出来即可，上手的方法依然是模仿与扒带，可以从模仿自己喜欢的作品开始。这个过程会涉及一定的配器与音乐制作知识，亦已超出作曲入门范围，所以不再讨论。
五、走上专业道路
走上专业音乐创作道路的相当一部分人是通过进入音乐学院学习来获得专业能力，这就涉及到报考音乐学院与选择专业的问题。
国内的音乐学院、艺术学院或综合大学音乐学院大多设有作曲系，一般来说进入这类作曲系后学习的课程是古典音乐理论与当代古典音乐创作。虽然不教授通俗音乐，但掌握了古典音乐作曲技法后完全足以自学其它音乐，国内外很多影视配乐作曲家都是作曲系毕业的。不过这不表示作曲系毕业生能顺理成章地进入商业音乐创作领域，事实上他们大多数并没有从事职业音乐创作或干脆放弃了作曲行当。也许有一个原因是国内很多音乐学院作曲系与音乐市场基本脱离关系，其人脉是隔绝的。作曲系毕业生很难挤进商业化创作的圈子里，除非你私底下去结交一帮朋友或你的导师恰巧是商业圈子里的人。作曲系毕业生中热衷本专业的很多人会留在音乐学院中当教师，其创作既有面向学院内的“学术性”作品也会有面向社会的“商业性”作品，这些就看各人的选择与努力了。
国内音乐学院里还有一些专业也可以很好地学习作曲，例如电子音乐作曲、流行音乐作曲、音乐剧作曲等，各个院校的设置不一样。如果古典音乐毫无兴趣则不建议选择作曲系，可以考虑这些专业。这些专业的课程情况我不是很熟悉，不详谈。
外国音乐学院的情况各个国家不同，总的来说欧美的音乐教育水平、文化氛围比国内更好。
报考音乐学院本科作曲类专业必须具备一定的专业素养，这些素养包括上述的乐理、视唱练耳、旋律写作、和声写作等，具体参见各院校官方网站。自学者很难确认自己是否达到了考试要求（一般也难以通过自学达到），最好的办法是在音乐学院内找一个老师私底下上课，由老师来安排你的复习备考事宜。
在配乐、流行音乐等领域也有很多职业作曲家都没有进入过音乐学院，所以对音乐学院不感兴趣的人完全可以通过自我摸索以及与志同道合的朋友交流来学习进步，并寻找机会去从事职业创作。
学习作曲的书二:怎样学习作词作曲
怎样学习作词作曲
□翟永义
平时，有不少青年朋友和学生问我是怎样走上音乐道路和作词作曲的。其实，这个问题说来也很简单，无非是受家庭（我哥哥唱歌）的影响，小学、初中唱歌课的熏陶，音乐家故事的启迪，考艺术学院，自修乐理知识、作曲法、和声学，多听、多唱、多分析、研究中外民歌（中国优秀歌曲和歌剧）名曲（管弦乐作品和西欧歌剧）以及各种民间戏曲杂唱，丰富想象力，大胆地写（初始，自然是模仿的多），找机会排练演唱，习作修改修改再修改。最后，创造有自己个性的音乐作品，应征参赛、社会演出、出版发表和歌唱家演唱制盘，在全国新华书店公开发行。
我上初中二年级时看了《聂耳》电影就开始写歌。后来，考上了河南艺术学院音乐系作曲专业。
我虽然上过两年音乐专业，那也是断断续续的学些皮毛。那时，正逢灾荒年，课堂教学不稳定。最后，学院奉上级指示停办，我返家自谋职业——在民办学校教唱歌。重要的是，在我以后的中小学音乐教学中靠一架破凤琴和破电子管收音机自修作曲及斯波索宾（苏）《和声学》（中央音乐学院作曲系教材）。为了学好《和声学》，每周有一两次的午夜十二点钟，我按中央人民广播电台《广播节目报》预告播送的冼星海的《黄河大合唱》，对照着谱本一个一个和弦地听，在脑海中牢记印象中的音乐效果，反复理解、弄懂和掌握合唱写作技巧.我经常地研究《国际歌》的和弦进行的模式，我甚至能把瞿希贤的《全世界无产者联合起来》的和弦进行背记下来。这样，天天白天唱，有时晚上听，不分昼夜地写，写，写。写出来歌，就由学生合唱队排演·平时，教学之余，别人回家吃饭了，我在临街的体音美办公室里弹风琴（外国歌剧经典独唱名曲、中国歌剧插曲，或者，专找最难弹的曲子，比如，《洪湖赤卫队》、《红色娘子军》、《智取威虎山》主旋律乐谱，帕瓦罗蒂唱的《我的太阳》、贝多芬的《致爱丽丝》独奏曲、印度电影《流浪者》插曲，《松花江上》等歌曲）我编配和声弹得像交响乐效果，不仅自己感动得热泪盈眶，往往是窗外吸引了众多歌迷们驻足欣赏，共是陶醉其中。熟练的弹琴技巧，对于我自修音乐和作曲产生了很大的帮助。……后来，我终于考入中国音乐学院作曲系……艰难辛苦得很哦！
依我看，会哼唱就能写歌。不过，入门容易，修成难而已。还得往深处钻——自修作曲技巧，研究古今中外优秀歌曲作品成功的奥秘，创造出新的东西。
这过程中，追求当代音乐大师的关注、指导和帮助也是一辈子努力的事。名师出高徒嘛！贝多芬就是这样，一生中曾经拜了几位音乐大师。我学习贝多芬的作法也曾拜求过我国著名作曲家瞿希贤、时乐濛、、秋里、刘诗召、王基笑等前辈音乐家。也给傅庚辰、徐沛东去信求教过。张彬教授是我的恩师。，
学习作曲和创作歌曲，起码要有这样几个条件：一、要会一点简谱乐理知识，知道音的高低长短、节奏型，能把心里哼唱的曲调正确地记下来（对准歌词）。二、最好能有一架钢琴或者电子琴，自己会的其他乐器也行，比如，吉他、笛子、二胡、中山琴、口琴等，只要能把写出的曲调弹出来，试奏、试听、试唱，知道效果，不合适的地方、错的地方好修改正确。当然，能请会唱歌的朋友、熟人试唱一下，或者，请业余合唱团队排唱一下更好。这样，就能够写歌了。
如果，自己不会记谱，请人替记也可以，不过，这毕竟是不方便的事。
作曲是有许多技法的。比如，选好音乐主题乐句，会发展、模仿、移位、扩展、压缩、重复、前奏、间奏、尾奏，会处理高潮，会确立音乐风格（美声、民族、流行）；齐唱、轮唱、领唱、重唱、合唱等等都要会设定。
没有以上知识能写歌吗？我认为，能。乐满自溢。
我教学中有这样的例子，前几年，一个苏州青年迢迢千里来开封做工艺品生意，不知如何打听到我的住处要拜师学作曲，他没有一点简谱乐理知识，只会哼唱流行歌曲，但不会记谱。他自己写歌词，当然多是爱情歌曲——令我感到惊叹的是，他写的歌词的水平简直可以和资深词家比高下，我不仅修改不了，甚至，自己不得不承认一时还吃不透；更令我不解的是，他为自己的词谱的曲，尽管我是费了九牛二虎之力记下了旋律（典型的非传统曲调和节奏型），而且，曲调是那样的动听美好，形象且有激情。按专业扣，还真符合作曲法则。不过，他是凭感觉写——典型的“跟着感觉走”。我指导他写歌唱祖国、民族、改革开放歌曲，把讴歌时代主旋律的作品寄给全国征歌大赛，竟然荣获银牌奖。
同样的一个情况是，开封市一个中青年哼唱的流行歌曲作品我帮他记谱后，在全国著名音乐报刊发表一炮打响，征歌中荣获铜牌奖。一次由中国音协派出的权威作曲家采风团在听开封市歌曲作品歌盘的评论时，特别对他的作品给于了高度评价。现在，他已被接纳为开封市音乐家协会会员。网络媒体采访他时称他为青年作曲家。他的音乐人生是一个特别感人的故事——谁能够相信：他是抱着一把吉它闯荡了祖国南北的音乐疯子，跑了老婆，丢了饭碗，视音乐为生命。
像这样有作为的时代青年，社会上肯定大有人在，可不能小看和低估他们肚子里的“水”，他们肚子里的歌肯定如海洋般宽厚。这真是，唱会歌曲几百首，不会作曲也会溜。如果再能自修点作曲技巧，有些专业人士指点，岂不大有长进？
面对这种社会现象我除了目瞪口呆、振奋无比外，便是觉着“后生可畏”、责任重大——中国音乐前途无量啊！
学写歌词也是如此。从前，我要写什么歌曲，就得先找合适的歌词，很不方便。索性，我从写顺口溜开始，或者，写诗，无非是短一点，合折押韵而已——说清楚意思不就行了，有什么难的？我于是研究别人写的优秀的歌词，模仿着写——俗话说，“庄稼活不用学，人家咋着咱咋着”。写出来的东西，一遍又一遍地改，甚至，一句一句地改，一个字一个字地改。别说，还真成，“翟永义词曲的歌”真的出现了！还在演出大赛和全国征歌中获了大奖呢！有了初次的成功，以后，想写什么新的主题内容，就得心应手了。不用再东寻西求，麻烦耽误事。当然，写高精尖的歌词也不是那么容易，这毕竟是一门深奥的学问，是有科学规律可循的。我到新华书店买《唐诗三百首》等古典诗词白话解释，从中揣摩诗词格律的特点和技巧知识，以后，写的东西慢慢有点味道了。
还真是，背会唐诗三百首，不会写词也会溜。后来，我用这法教学生，特灵。大小学生一跟我走，就在全国征歌中抓一大把奖。
尉氏县一个来开封做小商品生意的中年农村妇女只有初中文化程度，他和自己的小女儿写的歌词我谱曲后，居然在感动中国全国第四届征歌大赛万余首作品中双双荣获金银牌奖，而且，在文化部主办的国内权威音乐杂志《中国乐坛》上公开发表，并由在京知名歌唱家演唱、制盘、出书，在全国新华书店公开发行。《汴梁晚报》记者以《农家女执着追求的音乐梦》为题专访了她。可喜可贺的是，感动中国征歌组委会发函邀请她赴北京亲自参加隆重的颁奖大会，聆听我国著名作曲家、歌词家专题讲座，并和来自全国各地的词曲作者共同研讨、切磋歌曲创作、歌词创作经验和技艺。难怪她感叹地说：我多年追求的音乐梦，今天终于实现了！
更让人惊奇的是，开封河大附中一个初中二年级女孩写了三部小说，在我指导下创作的三首歌词我谱曲后在全国征歌中荣获金牌奖三连冠。开封电视台专题采访了她。
这些例子说明，创作歌词并不神秘，入门也不难。当然，难的是出精品。其实，干任何一件事情不是如此呢？
当然，想写出高精尖的歌词，最好能有老师指导，或者自修一些写歌词基本知识的书籍（新华书店音乐类书架会有专售），懂得“词便歌”的特点，内容精炼，形式短小，段落不多，讲究押韵、对仗。不能写成长诗，也不能写成太白水的“顺口溜”。分齐唱、合唱、独唱、重唱、对唱、表演唱形式。最好有景、有人、有情，谱曲时好描写状况和抒发感情。记住：一首好歌词必是一首好诗，一首好诗不一定是一首好歌词，这之间是有区别的。词，是有感而发，不是无病呻吟。
祝青年朋友成功！
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学习作曲的书三:怎样系统的学习编曲？
【声明】(多图预警)(7月22日更新)如想转发，请先征得本人同意，谢谢；如果内容侵权，请及时和本人联系，我将删除侵权内容。如有朋友对我说的编曲内容有什么疑惑，我们可以一起交流，我的联系方式请点击我头像获取，或者直接发私信；如果内容出现错误，也请提出，我好及时更正。感谢点赞和关注的朋友。—————————————————7月22日 更新赞超过30了，更新一下。这次主要是想抛出一个朋友看完这篇文章后，在微信上和我聊了聊。我挑出一些问题，如下。（只想要干货可以跳过本次更新）A：想学习作曲和编曲，但是不知道该怎么入手 我视唱练耳也不是特别好，有没有这方面的书籍或者视频给我推荐一下。B：视唱练耳可以买一本中央音乐学院出版社出版的视唱练耳辅导教材，作者赵易山。刚开始练必须在钢琴上练习，先听单音，然后音程，和弦，音阶，等等。最好找个老师上课，课后再找个同学，你们两个人互相练习。A：听音是每天练的时间越长越好吗？B：每天都练，一到两个小时足够了。A：嗯 书本上的东西我下下功夫应该问题不大 但电脑上那些编曲的软件我自己就弄不明白 但对那些挺有兴趣的B：编曲软件都中文版了，乐理学好先，然后扒简单的流行钢琴曲，然后分析它的和声进行，总结经验A：嗯 我现在在学校的民乐团 管乐团的排练，自己还有一个乐队。B：看看能不能搞到总谱，业余时间看总谱，把总谱看懂，乐团演奏的时候练习看总谱A：想空闲时间学习一下钢琴 估计对我的视唱练耳也能有点提高吧B：必须学A：知乎上推荐的外文书国内在哪可以买到或者可以下载？B：万能的淘宝A：一直挺想好好听听古典音乐的 可是有时候听吧总是听一会就听不下去了 然后转头就去听摇滚去了，您说是我听的曲子不对？还是我还欣赏不了古典音乐？B：你看你听的是什么，是范听还是精听，不排除古典乐对你本来就没吸引力这个可能。摇滚乐你听的是什么呢？A：就是大概听个热闹啊 哈哈B：我本人听音乐会听到音乐里面去，不只是范范的听旋律。比如摇滚乐，我会听鼓的节奏，贝斯的节奏，听他俩是怎么配合的，还有吉他。哪里是切分音什么的。这个需要一定的乐理知识才能分析。A：能不能给我推荐一些爵士的乐队和歌手B：给你推荐个电影，爆裂鼓手。里面提到的乐手你都搜索一下，它们提到的乐手都是大师，然后再搜索他们，你会发现一大堆专辑。A：这些大师不都是上个世纪的吗 音乐和科技发展这么多年了他们技术上比今天的乐手强很多吗？B：有些大师是很难超越的，即便是超越，这些大师也是教科书级别的存在。A：听完爵士乐 再去听古典没准就能接受了吧 他两不是挺近吗B：我觉得好的乐手是所有音乐风格都接受，为什么要接受一个不接受另一个呢？A：觉得我就是领会不到古典里的那些内涵 对自己挺无奈的B：古典乐的内涵…看书，西方音乐史。A：就看西音史吗？B：知识是需要发酵的，你最初可能觉得没用，然后整个人懈怠。但是听我的，逼着自己看，硬看，硬记。等到某一天，你的所有知识开始在大脑中发生化学反应的时候，你学的这些就有大用了。这类的书是给你大脑的知识库填充的，大部分人不考试的话通常记不住里面的内容。要的是你全都看过，都知道，一旦某些时候遇到一些问题，你能突然想起来某个时期，某些音乐家，的某些作品。而且看这些书会提升你的内在修养，你到时候思维会和没看这些书的人不一样。自然获得灵感的方式也不一样，审美也不一样。是属于修练内在的一种学习（感谢来和我交流的这位同学，你的问题提的都很不错）—————————————————7月15日看到有些朋友为我点赞还是很开心的，那么我再多聊一些东西之前我提到过培养音乐感觉，也就是欣赏音乐的美是一件非常重要的事情，这个东西有的时候真的是一句两句说不清楚（或者我本人能力有限，解释不了）。那么我能提供的办法就是多听音乐，分类别的听。每一种类型的音乐都会有独特的写作手法和编曲方式，用心去感受他们的不同，和弦走向的规律，乐器切入的位置，节奏节拍的变化。下面聊一下我主要接触的音乐类型。流行乐是我认为最好入手的音乐类型。和弦进行的套路明显，而且好把握，尤其是国内的流行乐。目前的流行乐编曲方面，与交响乐相比，不是特别特别的复杂，通常采用乐器为，键盘、吉他、贝斯、鼓，初期可以多练习练习。其次是交响乐。写作交响乐，或者配器其实也不是非常非常的难，但是前期工作要做足，比如了解每个乐器。最开始要多看总谱，多听CD，跟着CD单独的听某一个声部，然后再把所有声部组合在一起，分析乐器之间的配合。给整首交响乐画出草稿，草稿形式可以参考《Arranging For Large Jazz Ensemble》一书中的例子。下图是我对一个爵士乐编曲配器的分析图。最后是爵士乐。这是我认为比较难的音乐类型。而且爵士乐包含的范围非常非常的广泛，所以不好逐一的举例，实在抱歉。只说一个吧，初期的话多听小型爵士乐队，三重奏，四重奏。多分析《Real Book》上的和声，对照着音频里的演奏，分析配器方式方法。爵士圣经《Real Book》既然说听音乐重要，那么听什么样的音乐呢。我简单的举例并推荐一下我喜欢的。国内：首推周杰伦。张学友，罗志祥，等… 王铮亮 千金不换爱电影《土豪520》主题曲（我参与了录音，编曲方面不难，可参考） 丁少华（他有些作品我参与了录音，编曲方面对演奏者挺难的，推荐分析一下） 还有好多.....国外：（种类太多了，我只简单提三类，不过有些音乐家什么风格都来，所以可能会风格重叠，我尽量按照官方给出的分类，或者按照获得的奖项分，有可能会分错，大家多担待了）1.流行：MJ，Justin timberlake，Bruno Mars，Jason mraz，Ne-yo，Daniel Powter等，多到数不 清2.古典：这个....似乎不用多说，从海顿，亨德尔开始捋着时期挨个儿听吧。3.爵士：John Coltrane，Miles davis，Ray Charles，Pat metheny， Chet baker，由于爵士乐在西方音乐中也属于巨大的一个范畴，所以栗子真的是举不完。 关于听音乐这方面的问题，大家可以加我微信（点我头像查找微信号）。追加两本汉化的关于作曲的书籍（我觉得适合初学者）再推荐一本英文和编曲、作曲有关书（据说有两本，我只有这本）不知道怎么添加音频给大家听听我的一些作品发个当时为了给一个歌手演出进行编曲的手稿，一定看不懂是怎么回事对不？哈哈哈！—————————————————7月10日 忽略了楼主提的问题的中心—如何学习编曲其实这个工程很复杂，正如我之前的回复。那么需要做的工作如下：1.将基础乐理熟读一遍推荐教材：音乐理论基础(李重光、棕色本)爵士作曲理论与实践(伯克利音乐出版社、译本)2.学一门和声乐器(钢琴、吉他）学一个管乐，推荐长笛、小号学一个弦乐，推荐吉他、小提琴学一个打击乐，推荐架子鼓以下为进阶…3.学好外语(至少要一本英汉字典)4.找国外的、尤其是伯克利音乐出版社这样的专业音乐出版社的作曲或编曲的书籍。推荐如下：全英文！JazzologyThe Jazz Theory BookModern Jazz VoicingsArranging For Large Jazz Ensemble这些都是我喜欢的书，很专业，很不错。唯一不足就是没介绍弦乐。等我翻翻自己的“资料库”，看看有没有介绍交响乐编曲的。5.编曲软件推荐强大的Sibelius(目前用得最顺手的)—————————————————7月9日分析别人的作品也很重要，最好能找到一个成熟的作品的编曲人，讨教一下。试错。将各种理论上不建议的编曲方法实验一遍，看看是为什么。比如，大学的和声学基础课，有的老师会讲避免八度进行；不完全终止用K46和弦这样的和声理论等(经实践验证，这些理论挺扯淡的)。谈一次编曲经历。有一次和一个朋友琢磨给一个歌手的演出编管乐大乐队伴奏。朋友想让每件管乐演奏不同的和弦音，构建成一个完整的和声进行，他说是“欧式”感觉，我也觉得有点古典，不适合现代音乐。虽然每个和弦都构建出来了，但这样的话听觉上并不完美。于是我建议用从伯克利学到的cascade编配方法来安排管乐，即一两个和弦音开始，逐渐的展开成完整的和弦。经过探讨和实验，我们选择了后者，因为听觉上更好。技法知识源于教材：Arranging for large jazz ensemble这个经历是想说明几件事：1.编曲的理论知识很重要，这里有很多编曲方式2.尝试性实践是必须的，不论对错，多实验几次才能出真知3.确定音乐风格，编曲的对象4.容易被忽视的音乐美学在创作上是非常非常重要的—————————————————7月8日编曲真不是会一两个乐器、理论知识够扎实、弄弄电脑软件就够了的。这些只能说是必须具备的几个成为编曲人的基本条件。我认为，想成为一个好的编曲人要尽可能的了解、实践已知的所有乐器，尤其是了解每件乐器的特性、优点与限制。了解的越多、当你为该乐器设置演奏角色时，你越能做好这样的工作。参与乐队、乐团是必须的。为了搞清楚每种声音叠加起来会产生什么“化合”作用，必须要进行实践。好处之二就是了解你的编曲作品，乐手们能不能通过演奏实现出来。这就是实践的好处。了解其他学科，比如绘画、生物、动植物、哲学等。为什么？开拓自己的思维，学习构图、构思的技巧；了解大自然界的声音；认清自己的作品是出于什么用途，该怎么服务与听众等。简而言之，一个作品或许包含着美学、声学、哲学等。好的编曲人不是那么好做的。这些都是我个人的观点。
