【www.shanpow.com--热门范文】
蒙德里安的格子画篇1:皮特·蒙德里安的代表型画作「格子画」好在哪里？
【Diegoyuan的回答(957票)】:
首先说一下，蒙德里安作画不是不用尺子画线，是不用尺子测量（数值）。
题主所说的代表作，也就是著名的蒙德里安格子画。
我们有必要了解格子画的来历，为什么蒙德里安要画这么多格子画。
蒙德里安如何走向“格子杀手”这条不归路！
提起彼埃·蒙德里安，有些人可能很熟悉，有些人有可能挺陌生。但是一提到他的下面这幅画——
基本上所有人都会急切的指着“哦，哦，这不是那——啥”的豁然开朗！没错，这就是我们的格子杀手，蒙德里安。
当然，和所有画家一样，蒙德里安也不是一开始就玩惊世骇俗然后立马流传千古的。那么他在只钟爱飚格子之前画了些什么呢？让我们一起看一下！
这个就是蒙德里安的自画像啦，很冷静的在审视，有点印象派的意思
这些风景也是他的作品，有点受古典主义影响的感觉，不过好像有点什么不同
风景不错~有印象派和古典主义的影子，不过感觉哪里还真有点特别 - -？
噢——原来是倒影！（围观：反映好慢- -！）画面基本都是从中部上下分开布局，均衡的画着树和倒影，有意思~
他还真是很喜欢画树和倒影啊~
树又一次成功抢镜！（房子好悲催啊。。）不过这些树放肆的姿势好像又有什么？
再来一张！诶~这些树的枝杈好特别！以一种奇特的扭曲纠缠在一起，好像又蠢蠢欲动打算变化成别的什么东西。。？
还是中间分割的构图嗯。。元芳你怎么看？——大人！属下觉得这其中定有古怪！
诶。。这是？充满神秘感的风景——不过感觉天空和地面没啥区别啊
嚯，古怪在此！大人请明鉴！
其实呢，不要那么没见识啦~蒙同学是“神智学”的坚定会员，对宗教问题可不是说说而已的。他信奉“人神合一”的精神理念，所以作品出现了大量神秘诡异的蓝紫色，这当然也对他之后的绘画产生了重要的影响
还是这个散发着神秘色彩又有点阴郁的土地让人忍不住一探究竟
再后来，他来到了巴黎。索性一不做二不休——既然这么迷恋树，那还画其他玩意干什么？我的画里，只有树！
更放开了，天空也气势汹汹来和树争宠了！
收到立体主义的影响越来越深，来一个灰色的看看~吼吼
再玩的更的嗨皮一点！
谁说树枝只能和枝干在一起呢？！谁说天空只能是陪衬啊！
画太多树画点静物解解腻~
静物也可以这么玩呀~哈哈
信手拈来！
索性再纯粹一点吧，把态度不明朗的曲线扔了！再这样试试看
继续ing
已经完全把树抛到脑后了！
矮油！有点“格子杀手”影子了（快把点点去掉啊，不要草间弥生附体啊）
“格子小杀”小心翼翼谨慎尝试中
好像把线条留出来更有意思诶~
多画一点！线条更细致一点！再抽象一点，格子再多一点！
（嗨够了- -）渐渐冷静下来，颜色线条格子都简化了一点
再来！
挑战一个大尺幅的~
终于……出现了！简单有力的抽象作品，我要说明一些你们听起来似是而非的东西！
越是似是而非越不要解释！觉得好不好看？装饰起来前不前卫？所有的感受感情你的眼睛不会骗你
玩一把大的！谁说画面的主体不能是留白呢？！（当然这里已经不能叫做留白了）
颤抖吧人类！让你们好好看看爷的冷抽象
再来！爷不是一时兴起的，爷不是抄袭的（完全脱离立体派），爷是有思想有体系的（
《自然现实与抽象现实》堪称抽象艺术的基石）
蒙爷，你赢了。。
最后向几何抽象画派的先驱，艺术“新造型主义”创始人，认为艺术应根本脱离自然的外在形式，以表现抽象精神为目的，追求人与神统一的绝对境界(也就是我们熟知的“纯粹抽象”)的冷抽象大师，皮埃·蒙德里安致敬！
《百老汇爵士乐》蒙德里安最后一件完成作品。
文章来源见水印。
在经历了早期的浪漫写实，象征主义，立体主义之后，蒙德里安发现了新的个人形式，开始更接近线与色彩的构成。也就是我们常看到的“格子画”，这种形式被认为是蒙德里安早起风格的延伸和浓缩。
格子画线条抽象，色块的填充和直线交错，简简单单的红黄蓝和大大小小的格子组合在一起给人强烈是视觉冲击，构成感十足。
图像富于变化，简洁明了。
蒙德里安努力探寻比例与分割的关系，设计格子的形状大小，色彩搭配，做到画面的均衡和美感，又不乏秩序与理性。
大量的黄金分割与饱和度的契合使画面达到一种平衡，可以延伸出无数种变化的美感。
这种几何抽象派的形式像是给艺术创作设计出了公式。
他参与的风格派艺术运动对后来的建筑，装饰等设计行业产生了一定的影响。
比如：施罗德住宅。
不知道你有没有眼熟，反正我初中第一次在美术书上看见它就想起了蒙德里安那个格子画。不知道你有没有眼熟，反正我初中第一次在美术书上看见它就想起了蒙德里安那个格子画。
住宅内部更明显：
其他的设计：其他的设计：
【李永学的回答(7票)】:
中国文人画一大特点就是把布局画面看得要比描画事物重要，主要就是在平面上玩平衡画面的游戏（绘画之道）。蒙德里安的作品实际上就是纯粹的画面平衡，去掉了一切琐碎的因素，实际上就是平面设计的雏形了。他和康定斯基的作品奠定了平面设计的基础。如果说他的作品好，那么好就好在他的作品对后来的人们在实际生活中布局一个平面来说有启发作用。有一些作品对于我们来说看起来稀松平常，这是因为我们早已习惯了生活在被这些作品严重影响了的世界里。抽象就是设计的鼻祖。 中国文人画一大特点就是把布局画面看得要比描画事物重要，主要就是在平面上玩平衡画面的游戏（绘画之道）。蒙德里安的作品实际上就是纯粹的画面平衡，去掉了一切琐碎的因素，实际上就是平面设计的雏形了。他和康定斯基的作品奠定了平面设计的基础。如果说他的作品好，那么好就好在他的作品对后来的人们在实际生活中布局一个平面来说有启发作用。有一些作品对于我们来说看起来稀松平常，这是因为我们早已习惯了生活在被这些作品严重影响了的世界里。抽象就是设计的鼻祖。
【FREELIN的回答(6票)】:
如何欣赏蒙德里安
我打算漫谈我们看待这个世界的方式。我会说说怎么看待绘画、摄影、以及雕塑（这些艺术算是我的专业领域），但同时还有草叶、沙粒、枝桠、日落、古埃及的圣甲虫、褪色的陶瓷牙齿、英国的切达芝士、病毒、X光、光谱、指纹、烛光、星系、鸟鸣声谱、工程制图、棕榈树后的光晕、老人脸上的皱纹、肩部肌肉的起伏、晶体的结构、彩虹的色彩、水渠的形状、海市蜃楼的种类、夜空中的微光、飞蛾翅膀的蜿蜒、还有邮票上的雕刻设计，那些你用自己的双眼无法捕捉到的事物。
我现在想到一连串的内容，都是关于怎样比平常更耐心更自如地运用你的双眼。关键在于逗留，把时间充分用于观看，并且保持观看，直到每个细节都慢慢地展露出来。我尤其享受一种奇特的感觉，就是当我盯着某件东西，然后顿悟的瞬间：原来这样东西是有结构的，它本身就在和我对话。
我的首例就是蒙德里安。
具体地说，是我工作的大街对面的芝加哥美术馆收藏的一幅蒙德里安画作。这幅叫《黄、黑、蓝、红、灰菱形构图》的画作绘于1921年。这是幅简单的作品：灰白背景，黑线条，以及四个色块——黑色、蓝色、淡淡的柠檬黄、和少许橘红色。至少在近距离看它之前，我是这么认为的。
我教过一门课专门让学生临摹展馆里的绘画。这门课面向任何人，甚至是从没画过画的学生。唯一的要求是勇气，因为在博物馆里支起画架放上画布的结果是，人人都来和你说话。他们会对你的画指手划脚，而且不一定客气。我有个学生就曾因为选择临摹裸女被大声训斥过，“尽管你自己也是个女的。”那个气愤的参观者说。还有一次，一个保安问我觉得某个学生临摹一副摩西穿越红海的小画值不值得。他问：“你看这个学生相不相信圣经？”我说：“不知道，但你看这个画家相不相信？”他回答说不确定，但是会稍后给我回答。到第二周，他告诉我确信了这幅画的作者是个无神论者，因为画里没有足够的雷鸣电闪——不够戏剧化也就不足以为真。（我估计他想像的是《十诫》的那种情形。）再之后，这个保安就不管我们了：他表示无信仰者是可以临摹无信仰者的画的，他只是对结果不再感兴趣了。
当一个学生要求临摹蒙德里安的时候，我回应说那对他不一定有什么好处，因为这画太简单了。可结果我完全错了，并且从那时起已经有3个学生试着临摹这画。这是一个相当困难复杂的图像，只是被冒充成简单的抽象画罢了。
如果你从右边的边线开始画，你会发现这里蒙德里安改变了主意，没让线条继续往上走到画布的边缘。他描出了线条的终点，使之看起来结束在画布边缘。
他在重画的时候不是那么细心，所以可以推断出他当时估计人们看画时的距离。艺术史学家注意到他改变了想法，而且据说在20世纪20年代前，蒙德里安曾把他的作品当作是无限平面上的一部分，所以每个方向都会无限延伸。从诸如这样的绘画开始，画布就成为一个完整的对象，完整的宇宙，没有任何东西可以超越。
如果你蹲下身，逆光往上看这幅画——在展馆里是个很狡猾的办法，因为这样会暴露出画作的裂缝以及表面——从画布的纹理可以看出蒙氏画作中黑色长方形用的颜料较薄。（画布纹理与线条呈45度，原因是框架是转过的）而黄色色块使用的颜料就厚重多了。
再凑近点看黄色区域能发现这个绘画表面相当丰郁，一部分起了棱纹，一部分渗入了纺线里面。这里也能看出蒙德里安打磨了黄色色块的边缘，弄出了一个光滑的边框。每个表面和线条都有它的纹理：条纹被刻出了脊线；一些表面，比如蓝色区域，有油漆工人试图避免的徒手画出来回刷笔的纹理痕迹。放在一起这幅画作有了丰富的表面纹理，艺术史学家称之为制作法。
我的学生花了很多力气想弄出蓝色色块上厚实茂密的表面，但是他的努力只得到一片松软散淡的蓝色：
目前为止提到的对艺术史都不是什么新鲜事，除此之外还有很多谨慎的分析讲到线条如何相交，蒙德里安如何把他的绘画塑造成浅浮雕编织。（维亚阿兰保尔和哈利库珀的评论里非常多的证据。）然而，要往超出这些艺术史的讨论之外了说也不难。
如果你向这些条带的边界凑得非常近的话，你会看到它们并不只是单纯的黑与白或蓝或黄交会的线。这些条带的边缘是粗糙的。据悉蒙德里安是用铺上纸条来画的，就像很多装潢师和当代画家用封口胶纸的道理一样。但是这种办法可以形成一个清爽的边界，而这幅画里的边界却是混乱的。不幸的是，肉眼很难看出到底是什么搅乱了它们。我有两个设备来揭开这个谜：一架有微距镜头的相机，和一副内置了微型双目显微镜的重金属框架手术眼镜。微型显微镜太厉害了：如果我在身前伸展胳膊，显微镜会聚焦到我一片手指甲上的一小块。（手术眼镜倒是让我用得有些难堪，因为它戴起来就像个呆里呆气的疯狂科学家。在勘测这幅画时，我和我学生就荣获了不少古怪的注目礼。
在这张用我的微距镜头拍下的照片中，我的学生试图复制其中一条条带边界的复杂的痕迹。（他戴着塑胶手套以防止颜料里的有害物质；一些画家会宁可选择旧的有毒溶剂而不是新的更安全的材料。）他在徒手作画，也没有用纸条辅助，因为他觉得蒙德里安就是这么做的。
而靠近蒙德里安的原作看可以发现他的确铺过纸条上去，而且他从上面涂过以得到一个利落的边缘：但是之后他移动了这张纸条，在略微不同的地方铺上了另外一张，涂过了那张上面，诸如此类，结果就成了一种阶梯状的绘作。
在这幅画的其他部分，蒙德里安显然是用徒手画的，完全没有用纸条引导。在一个地方，可以看出他是怎样垂直往，小心地绘完这条带子。要想发现这点，可以往下张照片里的条带底部边缘，也就是中心偏左一寸左右，使劲凑近看。
我学生和我的研究结果是，他的临摹再一次失败是因为他没法弄出笔触的准确质地——蒙德里安的颜料非常的粘稠，而且他画笔上的毛刷非常坚硬。我学生的最后画出的是一个难看的边脊：
在某些地方，蒙德里安以和线条平行的方向作画，以避免让手摇晃。而在其他地方，他似乎挺满意手上轻微的颤抖和晃动。在最后一张细节图上有很多值得注意的地方：在条带下面，你可以找到蒙德里安小心的在线条上收尾，改过他徒手水平画的痕迹。在线条之上有一栏很厚的短痕迹，全部徒手，为这个条带形成丰富而相互缠绕的边缘。
从两三步之外你是完全看不出这些的，显然蒙德里安估计观者应该往后站从而不会发现像他截断条纹末端的草率。但是你意识到一种丰富，光耀的效果，一种深度。这幅画是三维的。画有看得见的姿态，它是人性的，是灵动的。在艺术史的语言里，它是画家式的。它属于提香、伦勃朗和德拉克洛瓦的教派，而不仅仅是20世纪初期的禁欲主义和唯心主义。
在芝加哥美术馆，和在许多别的展馆一样，蒙德里安的画作被悬挂在了同时期的同样是几何和抽象的作品边上。与它们坚决而枯燥的平坦不同，蒙德里安的绘画是有深度的。它们在向绘画的历史深处诉说。诚然蒙德里安是严峻的、禁欲的、单纯的、冷漠的、唯心的，明显凌驾于世俗生活的喧嚣之外。然而他心念着早期的绘画巨匠，思索着绘画能做什么也是事实。他只是把那份诗意封锁得太紧以至于几乎看不见了。
可能这些还是需要某些非常手段才能注意到——比如怪胎医生的眼镜、昂贵的相机镜头，还有敢于在众人面前失败的学生。但是一旦你看到这幅画是怎样完成的，蒙德里安就和之前不再是同一个人了。
我知道还有很多没解决的问题。到底什么才是细看？缓慢地观看艺术作品会带来怎样的经验转变？看起来细看是很做作而不自然的：毕竟这违背了今天分散而快速移动的观看方式。而诗人却一直那样做：文本细读是精读的一部分。
我希望这篇文章能激发你去停留去更细致地思考艺术，同时去观赏生活中最平凡的那些事物，那些似乎都不值得再看一眼的事物。一旦你开始凝视它们，这个世界——这个本来如此乏味而了无乐趣的世界——会在你的眼前重新组合，浓墨重彩，意味深长。
How to Look at Mondrian | James Elkins
译言精选-如何欣赏蒙德里安
【喻水星的回答(19票)】:
节选自《如何欣赏一副画作》@杨小彻的回答。
蒙德里安《红、黄、蓝的构成》
咋看之下除了色彩和布局巧夺天工之外就没有其他了是吧，下面我们细看：
如果你蹲下身，逆光往上看这幅画——在展馆里是个很狡猾的办法，因为这样会暴露出画作的裂缝以及表面——从画布的纹理可以看出蒙氏画作中黑色长方形用的颜料较薄。而黄色色块使用的颜料就厚重多了。再凑近点看黄色区域能发现这个绘画表面相当丰郁，每个表面和线条都有它的纹理：条纹被刻出了脊线；一些表面，比如蓝色区域，有油漆工人试图避免的徒手画出来回刷笔的纹理痕迹。放在一起这幅画作有了丰富的表面纹理，艺术史学家称之为制作法。如果你蹲下身，逆光往上看这幅画——在展馆里是个很狡猾的办法，因为这样会暴露出画作的裂缝以及表面——从画布的纹理可以看出蒙氏画作中黑色长方形用的颜料较薄。而黄色色块使用的颜料就厚重多了。再凑近点看黄色区域能发现这个绘画表面相当丰郁，每个表面和线条都有它的纹理：条纹被刻出了脊线；一些表面，比如蓝色区域，有油漆工人试图避免的徒手画出来回刷笔的纹理痕迹。放在一起这幅画作有了丰富的表面纹理，艺术史学家称之为制作法。
下面的绘画功底十足的学生模仿的作品，只得到一片松软散淡的蓝色，毫无质感可言。当然两三步之外你是完全看不出这些的，这就是大师级别的笔触。[下面的绘画功底十足的学生模仿的作品，只得到一片松软散淡的蓝色，毫无质感可言。当然两三步之外你是完全看不出这些的，这就是大师级别的笔触。[
无论是什么类型的画作，一幅画就是由笔触的轨迹构成的，笔触是一幅画的根本，实质的东西，也是分析一幅及研究作者当时情感取向的重要依据。
通过油画材料和工具在画面上创造的丰富肌理痕迹，诠释自己的艺术观念、审美观念及价值取向。我们也可以就此打开另一条美的道路。
【谢东方的回答(15票)】:
原来收藏过一篇文章是写这个的，原文链接在这How to Look at Mondrian | James Elkins。 Mondrian的画有些收藏在芝加哥艺术博物馆，而这片文章的作者是牛逼的不行的芝加哥艺术学院的老师james elkins。他把画从各种细节的角度学习了一下，还叫学生临摹。总的来说，看上去方方正正的格子其实在细节处有很多的变化，并且其中的技巧现在的人不知道如何复制。看看他怎么说吧。
全文转载如下：
Our eyes are far too good for us. They show us so much that we can"t take it all in, so we shut out most of the world, and try to look at things as briskly and efficiently as possible.
What happens if we stop, and take the time to look more carefully? Then the world unfolds like a flower, full of colors and shapes that we had never suspected.
In this column, I am going to be pondering how we see the world. I will be describing how to look at paintings, photographs, and sculptures (that is my field, art), but also grass, sand, twigs, sunsets, Egyptian scarabs, discolored porcelain teeth, cheddar cheese, viruses, X-Rays, spectra, fingerprints, candle flames, galaxies, graphs of bird song, engineering drawings, ice halos behind palm trees, the lines in an elderly face, the ripples of muscle in a shoulder, the logic of crystals, the colors in a rainbow, the shapes of culverts, the species of mirages, the faint lights in the night sky, the zig-zag patterns on moths" wings, the engraved designs in postage stamps, the things you can contrive to see inside your own eyes.
What I have in mind is a series of lessons about how to use your eyes more concertedly, with more patience, than you might ordinarily do. It"s about stopping, and taking the time to simply look, and keep looking, until the details of the world slowly reveal themselves. I especially love the strange feeling I get when I am staring at something, and suddenly I understand: the object has structure, it speaks to me. What was once a shimmer on the horizon becomes a specific kind of mirage, and it tells me about the ?shape of the air I am walking through. What was once a meaningless pattern on a moth"s wing becomes a code, and it tells me how that moth looks to other moths. And paintings show me more each time I look; there is apparently no limit to what they can mean.
My opening example is Mondrian.
Specifically, one of the Mondrian paintings in the collection of the Art Institute of Chicago, across the street from where I work. It is called Lozenge Composition with Yellow, Black, Blue, Red, and Gray and it was painted in 1921. It"s a simple picture: off-white, with black stripes and four color areas: black, blue, pale lemon yellow, and a touch of orangey red. At least that"s what I thought before I had looked closely at it.
I have occasionally taught a course in which students copy paintings in the museum. The course was open to anyone, even students who had never painted. The only requirement was bravery, because it turns out that when you put up an easel and canvas in the museum, everyone talks to you. They give you advice and criticism, and they aren"t always polite. One of my students was harangued for choosing to paint a nude, "even though," as the angry visitor said, "you"re a woman yourself." Another time, a guard asked me if I thought my student was worthy of copying a small painting showing Moses crossing the Red Sea. "Do you think your student believes the Bible story?" the guard asked. I said, "I don"t know, but do you think the painter believed in the Bible?" He said he wasn"t sure, and he"d get back to me. The next week, he said he"d decided the painter was an atheist, because the painting didn"t have enough thunder and lightning in it--it wasn"t dramatic enough to ring true. (I think the guard was thinking of the movie "The Ten Commandments.") After that, the guard left us alone: he decided that a non-believer could copy a non-believer"s painting, but he just wasn"t interested in the result.
When one of my students asked to copy that Mondrian, I said it might not be very rewarding, because it was so simple. It turns out I was very wrong, and since then I"ve had three students try to copy the painting. It"s a very difficult and complex image, masquerading as a simple abstraction.
If you step right up to the cordon, you"ll see that Mondrian changed his mind about whether the stripes should go right up to the edges of the canvas. He painted out the ends of the stripes, so that they appear to stop where the canvas stops.
(All photos: author.)
He wasn"t especially careful with his repainting, which is a clue to how closely he expected people to look. Art historians have noticed his change of mind, and it has been said that before the early 1920s, Mondrian thought of his compositions as part of an infinite plane, which could go on indefinitely in all directions. Starting with paintings like this one, the canvas is the whole object, the whole universe, and there is nothing beyond it.
If you bend down, and look up against the light--often a good trick in museums, because it reveals flaws and shows off the painting"s surface--you can also see that Mondrian painted the black rectangle with thin paint, so the warp and weft of the canvas shows through. (The warp and weft are at forty-five degrees to the stripes, because the stretcher is rotated.) The yellow area is painted much more thickly.
An even closer look at the yellow shows how luscious the paint surfaces are, some ribbed, some rubbed into the weave. It"s also possible to see how Mondrian smoothed the edges of the yellow region, creating a glossy painted frame.
Each surface and stripe has its texture: the stripes are scored with little ridges, and some of the surfaces, like the blue area, show those freehand back-and-forth brush textures house painters try to avoid. Altogether the painting is rich in surface textures, what art historians call facture.
My student tried hard to get the thick furred look of the blue area, but all he could manage was a flaccid, watery pool of blue:
So far none of this is new to art history, and there have also been some very careful analyses of the ways some stripes go over others, and how Mondrian built his paintings into a kind of woven bas-relief. (There are excellent accounts of this by Yve-Alain Bois and Harry Cooper.) But it is not difficult to go beyond what has been discussed in art history.
If you look very closely at the borders of the stripes, you see they aren"t just lines where black meets white or blue or yellow. The edges of the stripes are rough. It is known that Mondrian painted his stripes by laying down strips of paper, the way decorators and contemporary painters use masking tape. But that produces a clean border, and the borders in this painting are messy. Unfortunately, with the naked eye it"s hard to see exactly what makes them messy.
I have two devices to me solve mysteries like that: a camera with a macro lens, and a pair of surgeon"s glasses, which are heavy metal frames with little binocular telescopes mounted on them. The little telescopes are amazing: if I stretch my arm out in front of me, the telescopes focus on one-quarter of one of my fingernails. (The surgeon"s glasses are also embarrassing to use, because they have a kind of dorky mad scientist look. My student and I got lots of odd stares while we were inspecting the painting.)
In this photograph, taken with my macro lens, my student is trying to reproduce the complicated marks at the border of one of the stripes. (He is wearing plastic gloves to protect himself from the toxic chemicals in the paint; some painters prefer the old, poisonous solvents and pigments to the new healthier materials.) He is painting freehand, without a paper strip to help him, because he thought that is what Mondrian did.
A closer look at the original shows that Mondrian did put a paper strip down, and he painted over it to get a sharp edge: but then he removed the strip, put another one down in a slightly different place, painted over that one, and so on, creating a kind of little stairway of paint.
In other parts of the painting, Mondrian clearly painted freehand, with no paper to guide him. On one place, it"s possible to see how he painted vertically, carefully edging up to the stripe. To see that, look very closely at the bottom edge of the stripe in the next photo, about an inch to the left of center.
My student and I studied that, but again his copy failed, because he couldn"t get just the right texture of paint--Mondrian"s paint was sticky, and the bristles on his brushes were stiff. My student ended up with an ugly ridge of paint:
In some places, Mondrian painted parallel to his stripes, trying to keep his hand from wavering. In other places it seems he enjoyed the slight tremble and wander of his hand. There is a lot to see in this last detail: underneath the stripe, you can see where Mondrian carefully edged his brush up to the stripe, overlapping some horizontal marks he"d made freehand. Over the stripe there is a thick hedge of short marks, all freehand, intended to give the stripe a rich, entangled margin.
You don"t see any of this from two or three feet away, and it"s clear Mondrian expected his viewers to stand back so they wouldn"t see things like the sloppy way he truncated the ends of his stripes. But you are aware of a richness, a shimmering effect, a depth. The paintings are three-dimensional. The paint has visible gestures, it is human, it moves. In the language of art history, it is painterly. It belongs to the tradition of Titian and Rembrandt and Delacroix, and not just to the asceticism and idealism of the early twentieth century.
In the Art Institute of Chicago, as in many museums, the Mondrians hang next to other paintings of the time, also geometric and abstract. In comparison to their resolute, sterile flatness, Mondrian"s paintings have depth. They speak to the deeper history of painting. It"s true Mondrian is forbidding, ascetic, pure, impersonal, ideal, clear beyond the mess of an ordinary life. But it is also true that he was thinking of Old Masters, and of what paint could do. He just kept the poetry so tightly reined that it is nearly invisible.
Perhaps it requires a slightly abnormal sort of seeing to notice all this--geeky doctor"s glasses, an expensive camera lens, a student who is willing to fail while people watch. But once you have seen how the painting works, Mondrian will never be the same.
I know there are many questions lingering here. What is close looking, exactly? What happens to the experience of the artwork when you look very slowly? It seems artificial or unnatural to look closely: after all, it runs against the grain of today"s very distracted, fast-motion seeing. And yet poets do it all the time: close reading is part of good reading.
I am up for all those subjects, and more. I hope this column will inspire you to stop and consider art more closely, but also to see all sorts of things that are absolutely ordinary, things so clearly meaningless that they never seemed worth a second thought. Once you start seeing them, the world--which can look so dull, so empty of interest--will gather before your eyes and become thick with meaning.
【郑世雄的回答(6票)】:
【Kellin的回答(3票)】:
谢邀。
我们应对"画"的概念做出清晰的断定。
"人类在二维空间搞出的视觉图像"(这么说对不对)
接下来
作为作者
怎么搞的，用什么搞的，搞的什么，搞的目的，搞的源泉………都不用其他人管。
作为看官
喜欢与否，理解与否，购买与否，也都与他人无关。
即
作者是作者(创作内在方式的独立性)
作品是作品(图像表现形式的独立性)
观众是观众(欣赏角度模式的独立性)
总结
"好不好用你管？！"
(表生气)
【卜生的回答(1票)】:
谢邀！
看了评论以及知乎上对蒙德里安的一些评价。
感觉 @Diego yuan和 @杨小彻已经说得非常透彻了。
我这里再补充一点我的个人想法吧。
题主问格子画好在哪里，大概意思是问为什么蒙德里安的画作中格子画知名度最高吧？
我也纳闷，
要说抽象画，画抽象画的艺术家那么多，作品也那么多，可为什么蒙德里安的格子画这么火？
并且，蒙德里安其他的作品明显没有格子画知名度高？
我觉得，除了艺术史上说的那些之外，很重要的一点就是和受众的接受度有关。
很多很伟大的抽象画反而没有蒙德里安的格子画有名，可是其在艺术史上的地位也是很高的啊。
比如马列维奇。（卡西米尔·塞文洛维奇·马列维奇Kasimier Severinovich Malevich）
他的抽象画，尤其是黑白抽象画在艺术史上的地位非常高。
《黑色方块，1915》，马列维奇《黑色方块，1915》，马列维奇
《红色方块，1915》马列维奇《红色方块，1915》马列维奇
可以看到，马列维奇在蒙德里安以前就已经把抽象画做到这个地步了（马列维奇早期的作品和康定斯基的有点儿像，有的又像毕加索），他人生后期的作品仅剩下方块或圆形，实在让后人无法再下手。
所以说，不是抽象程度越高就越受欢迎，虽然马列维奇在艺术史上的地位无可否认。
但是要想成为一个icon，还需要广泛的受众。
而受众的心理是很奇妙的。
就我个人的心理活动而言，我之所以觉得蒙德里安的作品好，无外乎以下几点：
够抽象，足够与众不同。
先锋，但是没有逾越过心理的那个“标尺”。用流行音乐来举例子的话，很多人觉得David Bowie的造型夸张得恰到好处，所以他有一票粉丝，但是如果超过了David Bowie的夸张程度，很多人会觉得受不了。这些说白了就是承受能力的问题。不过随着时间发展，承受能力越来越强，就像你回头看麦当娜当年的造型觉得没什么特别的一样，不过在当年可是一阵狂潮。
马列维奇也许对大众来说，突破了基本承受力，所以受众不多。
色彩搭配符合人的基本心理色彩。红黄蓝与黑白，简直是完美搭配。
作品由于当时很具有话题性，导致在后世不断被轮番致敬，传播度继续提升。
【菜司令的回答(0票)】:
不管从哪个角度摆放，色块的大小和颜色的重量都是和谐平衡稳定的…好喜欢以他作品设计的玻璃杯～
【张涵丰的回答(0票)】:
win8始祖
【Pink桃子君的回答(0票)】:
时代的产物。
它代表的是当时的一种艺术思潮，它的“艺术”价值，也仅仅属于那个时代。现在，它主要是具有历史意义。
有兴趣的可以看看工业设计史，世界现代设计史之类的书。艺术其实没什么神秘的。
PS：多说一句，没有必要非得“硬”要去欣赏什么。美是一种大众的体验。
【知乎用户的回答(1票)】:
引领了扁平化的UI
颤抖吧 win8 win10 这些小婊杂！
【啦啦啦的回答(0票)】:
他的画主要注重画面分割和构成感。
原文地址:知乎
蒙德里安的格子画篇2:家居设计如何巧用蒙德里安的“格子”？
艺术生最不陌生的蒙德里安，说实话第一次看到他的作品时，我完全get不到啊。这个酷爱画格子的boy有毒，为什么这些这么普通的格子现在可以拍卖到几亿啊……
然而渐渐了解后，我真正的服了
不管从哪个角度摆放，色块的大小和颜色的重量都是和谐平衡稳定的…
蒙德里安的格子画不仅在美术领域指导了万千画家，甚至在建筑领域、家装领域也超级实用，给大家举几个例子。
里特维尔德的施罗德住宅，是建筑学生入门的必学案例 ，明显受到蒙德里安绘画及艺术创作理念影响。
格子间的“构成”，影响了建筑师图纸上的点线面
下图是知乎作者塔普在sketch up里简单拉的一个模型，可以发现当直白地将窗户的功能按照蒙德里安格子的划分排布出来，它是美的（和谐、秩序之美），而这种美是universal的，因为它抽离于自然，不受任何文化地域背景所影响。想在这里强调一下，并不赞成设计师这样简单暴力的方式直接翻译蒙德里安，只是想用一个简单的例子告诉大家“构成”是怎样介入建筑师的设计当中的。
对三维层面的设计的影响
家具设计师对蒙德里安元素最直白的表述
如果你对设计装饰墙毫无头绪，无妨直接抠蒙德里安的格子！
随便选取一些靠近的格子排列，套用在你们的照片墙，就能达到美观地排列照片墙里多幅大小不一的照片~
第一步：从蒙德里安的格子画里随便框选一个区域
第二步：就按照红线的区域排列照片。
排出来的效果图是这样的
随便圈个别的区域，
又可以排成这样……
红蓝的撞色搭配也可以用到新房的设计图中……
这就是大师被称为大师的地方
本文为头条号作者发布，不代表今日头条立场。
蒙德里安的格子画篇3:蒙德里安在钟爱画格子之前画了些什么
蒙德里安（Piet Mondrian，1872-1944）是抽象绘画的奠基人之一，也是色彩构成领域的高手。世人熟悉他以严格的削减作为绘画基本元素，并创造出经典的现代主义图标。
但是，蒙德里安在20世纪最初几年的绘画风格却鲜有人知，而德国柏林马丁-格罗皮乌斯宫（Martin-Gropius-Bau）正在举行的“蒙德里安：线”（Piet Mondrian. Die Linie）展览中，观者将通过观看蒙德里安的早期作品了解他从海牙学院的印象派风格到图像组织支配的绘画探索，并从中寻找出蒙德里安在事业的选择和在艺术突破上的依据。值得一提的是，这也是1968年以来柏林首次举办蒙德里安大展：
展厅入口
此次展出的第一件作品，是蒙德里安1918年具有代表性的“自画像”。画中，蒙德里安的头周围有些抽象的长方形，仿佛透露着自己的脑袋里一直都装着这些线条结构。几何图形对蒙德里安来说远不止一眼了事，而是一直影响着他对这个世界的感知。
自画像（Selbstportrt）, 1918
要想进一步了解几何图形是怎么影响蒙德里安的，且从1872年3月7日说开：
这一天蒙德里安出生于荷兰阿默斯福特的乌得勒支，父亲是一位清教徒，也是一位热衷美术的小学校长。少年蒙德里安跟随叔父海牙画派的画家福尔兹?蒙德里安学习绘画，1892年蒙德里安进入阿姆斯特丹里克斯美术学院，正式接受学院派的训练，这也奠定了他深厚的写实能力。
皇家蜡烛厂（Die knigliche Wachskerzenfabrik）, 1895-1899
在绘画开始的时期，蒙德里安和几乎所有艺术家一样描绘的是农场、风车、树木和山川河流，正如蒙德里安自己所说的：“一开始，我只是一个现实主义者。”只是经过那么多次风格变化，这种说法现在看来让人惊讶。
我们也不难发现“印象派的蒙德里安”这个称谓很少被提及。尽管在上世纪末，蒙德里安在阿姆斯特丹学习期间的作品很受他的粉丝追捧，但同时他也会像其他艺术家一样在学校做点不同寻常的事。
Nistelrode的谷仓（Scheune in Nistelrode）, 1904
毕业后，蒙德里安仍在很努力地寻找自己的风格：1905年左右，蒙德里安开始了他在艺术领域的试验，他试图根据光的变化调节和改变绘画风格和绘画技法。在白天的阳光下，蒙德里安的选择写意的风格描绘风景，而在夜晚的灯光下，他的创作则呈现出表现主义风格。
夏夜（Summer Night）,1906-07
奥斯特卡佩的教堂（Zeel?ndischer Kirchturm）, 1911
蒙德里安在1906-07年间创作的“夏夜”（Summer Night）中，太阳带着梵高的色彩；“奥斯特卡佩的教堂”（Church at Oostkapelle）中所用的“点彩法”有修拉的风格，但这些很快就被舍弃。
“盖因河畔的树”和其素描稿同时展出。
在此次展览中，蒙德里安1907年作品“盖因河畔的树”(Trees on the Gein）和素描稿被同时展出，两者对比甚是有趣：
素描稿中的树在简单的太阳光圈下栩栩如生，空幻，被暴风催得弯曲，很多年后这种风格重现在蒙德里安的抽象派作品中;
“盖因河畔的树”素描稿
和素描稿截然不同，油画作品中的树却了无生机，像是随意涂刷的墨迹，而现实主义中太阳光圈，似乎尽情释放着一天中最后的热量。
盖因河畔的树（B?ume am Gein: aufgehender Mond）, 1907
此外，另外一幅举世瞩目的作品，“水边风车”（Oostzijde Windmill at Night，1907-08）在画中各个不同的部分都标着明显的线条。
水边风车（Oostzijde Windmill at Night),1907-08
“风景”（Great Landscape，1907-08）也与之类似。这些作品暗示着蒙德里安后来的风格变化，而这种独一无二的风格使他享誉世界。
“风景”（Great Landscape），1907-08
1910年，蒙德里安参加了荷兰艺评领袖祈克创立的名为“荷兰现代艺术圈”(Moderne Kunst Kring)的团体。1911年，团队与包括塞尚、布拉克、毕加索在内的法国先锋艺术家在阿姆斯特丹市立博物馆做了名为“Moderne Kunst Kring”的展览。
此时，立体主义激起对结构的兴趣，荷兰艺术家们也提出了：绘画难道不能变为像建筑一样的构成艺术？
同年5月，蒙德里安以“荷兰现代艺术圈”委员的身份造访巴黎，并参与巴黎的“独立沙龙”展，这也是立体主义首次大型集体展览。
1912年1月移居巴黎后，蒙德里安尝试以立体主义作画，但他更专注于图像的结构和组织，并提出了“通过线条，色彩和区域的平等达到和谐”。他也越来越多的利用垂直和水平的线条元素抽象地表现景观。
裸体（Large Nude),1912
蒙德里安在1912年创作出了杜尚“下楼梯的裸女”（Nude descending a staircase）的姊妹作品“裸体”（Large Nude）。
1913年，他的作品在柏林“Erster Deutscher Herbstsalon”上展出。1914年6月，蒙德里安回阿姆斯特丹探望病重的父亲，直到1919年6月第一次世界大战结束后，才重返巴黎。而后，蒙德里安继续拆解图形要素，探讨“智性”与“感性”，并把自己的风格标示为“neoplasticism”。
椭圆构图2(Composition in oval with color planes 2), 1914
在这期间的1914年，他在作品“椭圆构图2”（Composition in oval with color planes 2）中标注字母“KUB”引用立体派风格。即使这样，蒙德里安描绘的依旧是他所观察到的现实生活，他的作品把这个世界简化成线条和方块，展示出我们现在所谓的像素。但是，立体派风格对蒙德里安来说还不够简洁。
栋堡的教堂（Kirchenfassade 1: Kirche in Domburg）, 1914
比如，在他的作品“栋堡的教堂”（Kirchenfassade 1: Kirche in Domburg，1914）中，外部线条比内部组成更重要。越来越多地运用突出的基础结构，把这个世界解剖成线条和方块。
画面4 (Gem?lde No. 4), 1913
从“画面4”（Tableau No. 4，1913）中的混沌到了“网格构成5”（Grid Composition 5，1919）中变成清晰明了的马赛克图样。
网格构成5，1919
蒙德里安已然彻底进化成几何思维，这个世界也在他的画中被简化——可以用线条勾勒出来，也可以消失在这些简单的结构中。
此后，蒙德里安变成了我们所熟知的蒙德里安。他用一种具有清楚性和规律性的艺术，以某种方式反应出宇宙的客观法则。“三原色”的简单结构中展现出某些神秘主义的思想，揭示出艺术主观的外形变化的背后隐藏着永恒不变的实在。这些作品给我们带来视觉盛宴的同时给大脑减压，洗涤灵魂。他的作品看似简单，实则各有千秋，如果你说你看了一幅就了解所有的，无疑是有失偏颇的。
ableau I (Gem?lde I), 1921
Komposition mit Rot, Schwarz, Gelb, Blau und Grau, 1921
在此次展览中，观众还可以欣赏到一部叙述这位艺术家生活的纪录片，这部影片中最让人印象深刻的一句话就是：“当我完成一幅作品，我感到一丝满足后，压力随之而来。”蒙德里安把这个世界解剖成很多小部分，艺术和宗教体验的是同一事物。
蒙德里安
这也就不难想象，一个艺术家缘何可以全神贯注于一个神秘的问题，要知道要把一些形状和色调结合起来，直到它们看起来合适为止。很可能一幅画除了横竖线之外别无所有，创作者却劳心费神，也许比画文艺复兴的圣母像还困难。
展览信息：
展览名称：蒙德里安：线 （Piet Mondrian. Die Linie）
展览地点：德国柏林马丁-格罗皮乌斯宫（Martin-Gropius-Bau）
展览时间：2015年9月4日-12月6日
票价：11欧
展览现场：
